Mit Gemälden und Skulpturen, Zeichnungen, Grafiken und Fotografien von 200 Künstlerinnen und Künstlern führt uns die Kunsthalle Bielefeld in einer Ausstellung in die Zeit vor 70 Jahren zurück – in das Jahr 1937. Es ist das Jahr, in dem in München die Wanderausstellung „Entartete Kunst“ mit über hundert aus öffentlichen Sammlungen verbannten Künstlern eröffnet wurde. In der Sowjetunion wurde mit der „Entlarvung“ von „Spionen“ begonnen, nachdem auch Stalin die russische Avantgardekunst aus den Museen entfernt hatte. Nach dem Militärputsch General Francos 1936 rüstete sich auch Spanien gegen die Moderne, die Bombardierung Guernicas löste einen internationalen Schock aus. – In der Kunstgeschichte steht 1937 für den Beginn eines Alptraums der Plünderung und Zerstörung. Die Kunst wird aufgrund der erzwungenen Migration nahezu schlagartig international. Viele Künstler überdenken vor dem heraufziehenden Weltkrieg die Wirkung ihrer Formen.
Die künstlerische Synopse stellt den trügerischen Perfektionsidealen des Nationalsozialismus, wie sie Arno Breker, Leni Riefenstahl und diverse faschistische Maler verkörpern, deutsche Künstlerpersönlichkeiten wie Max Beckmann gegenüber, die das „böse Erwachen“ darstellen. Einen Höhepunkt der Präsentation mit sehr bekannten, aber auch weniger bekannten Namen bildet der internationale Surrealismus mit Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, Man Ray oder Joan Miró, die wie Pablo Picasso ihr Entsetzen über das Weltgeschehen zum Ausdruck brachten und dabei eindrucksvolle Kunstdenkmäler schufen. Zum Abschluss der Schau stimmen abstrakte und konstruktivistische Hauptwerke darauf ein, dass Demokratie und Frieden ohne Ausgleich und Balance kaum möglich sind.

Mit dem Eindringen arabischer Armeen in Spanien im frühen 8. Jahrhundert begann eine fast 800 Jahre andauernde islamische Präsenz auf dem Boden der Iberischen Halbinsel. Mit der spanisch-muslimischen bzw. ‚andalusischen‘ Zivilisation, die sich nun hier entfaltete, verbinden sich bedeutende Errungenschaften des mittelalterlichen Islam: die Moschee in Córdoba, die Alhambra in Granada oder die Werke eines Averroes. Die Geschichte dieses Brückenlands zwischen Orient und Okzident fasziniert noch heute Abend- wie Morgenländer, die diese Kultur beide für sich beanspruchen. Vor allem die Epoche des umaiyadischen Kalifats wird gerne als ‚goldenes Zeitalter‘ überhöht, indem die Vertreter der drei monotheistischen Weltreligionen im Schatten der großen Werke der Antike, aber auch in den Gassen von Córdoba, Granada und Toledo harmonisch zusammenlebten und sich gegenseitig befruchteten.
Der Autor zählt zu einer Reihe spanischer und französischer Historiker, die in jüngerer Zeit diesem Bild durch eine intensivierte Forschungsarbeit auf den Grund gehen. Er bietet hier eine reich illustrierte Gesamtschau der kulturell und künstlerisch so außerordentlich fruchtbaren spanisch-muslimischen Zivilisation und ihrer Beziehungen zur Welt des christlichen Mittelalters.

Eine Kulturgeschichte des muslimischen Spanien, die uns diese Epoche in neuem – von den Fakten gestütztem – Licht entdecken lässt
Eines der wichtigsten Nachschlagewerke zum Thema, nun auch in deutscher Sprache

Aus dem Inhalt:
al-Andalus als Provinz des Kalifats von Damaskus; die Krise Mitte des 8. Jahrhunderts; das umaiyadische Emirat; das umaiyadische Kalifat von Córdoba; die Taifa-Reiche; Almoraviden; Almohaden; die Reconquista des 13. Jahrhunderts; das Ende etc.

Der Autor:
Pierre Guichard ist Professor für Mittelalterliche Geschichte an der Universität Lumière-Lyon II.

Having raised public sculptures weighing more than 200 tons to heights of more than 16 meters, Danish artist and publisher Anders Nyborg has become known for the monumentality of his work. Abstract constructions that exploit the tensions and contrasts between such materials as rusted iron and shiny steel stand tall in Schonebeck, on the island of Norderney, in Bremerhaven, and on Majorca. The clear, strong colors of his large-scale abstract acrylics and gouache paintings reflect the particular light conditions of the islands of Bornholm and Majorca, where he lives and works alternately for six months of the year.

Cologne and New York have had a significant influence on the art world in America, Europe and Asia over the last fifty years. While operating in the 1960s and 70s still mainly in the artistic and cultural spheres, in the 80s and 90s both experienced the ever stronger economic imperatives in the art world which have had a major effect on today's market and media consciousness of artists, gallery owners and exhibition creators. The book attempts to identify and explore the artistic, economic and historical interaction and the interconnections and relations between the art markets of Cologne and New York. Critics, artists, gallery owners, collectors, curators, exhibition creators and museum directors trace the development and the dynamic of this market from a range of perspectives that both enhance and contrast with each other. This implies a correction of the usual art-world viewpoint, a fanning out of the success story of museum art into the multi-dimensionality of a much broader-based role of mediation and marketing.
The design of text and pictures in the book is also broken down into layers, as a network of open references, connections, commentaries and contrasts.

Cultures contribute to the richness of this world through their uniqueness and variety – as do their material products. This is reflected in the ethnographic collections from Africa, the Americas, Southeast Asia, Oceania and East Asia at the Museum of World Cultures in Frankfurt am Main. Using exceptional photographs, 130 works are presented from a total of approximately 67,000 objects in the museum’s collection. Based on their own individual and subjective points of view, the authors have selected particularly unusual “ethnographica,” everyday objects or ritual items from an abundance of mostly similar objects made by indigenous societies. The objects in this volume are not only elucidated in their ethnological contexts, but are simultaneously described and interpreted as works of art. They are purposefully represented here as products of indigenous aesthetics and indigenous creative work to guide the attention of Western viewers to the artistic qualities of ethnographica. In order to better understand these works of art, the authors question the environment in which a work was created and which ideas about color, form, symmetry, balance, etc., might have influenced their artists. The common goal is to present what it is about these works that are exceptional, elaborate, other, perfect or in fact imperfect, harmonious or disturbing.
However, the significance of an object is not invariably determined by its original heritage and purpose. Ideas and thoughts associated with an object also alter with a change of viewers and owners. Consequently, the effect of a work of art can only be comprehended within the analysis of aesthetic ideas and a prior knowledge by its respective viewers. Here, the various aesthetic concepts of indigenous and Western societies collide and ideally will lead to reactions that mediate between the differing perspectives.

"Being Object. Being Art. Masterpieces from the Collections of the Museum of World Cultures, Frankfurt am Main" illustrates a central concern of the authors with regard to the presentation of non-Western art – for them, the much discussed question "art or context" cannot be answered with an apodictic "either/or," but rather only with a "…as well as…."

Charme, Anmut und Zartheit sind die Prinzipien, die dieser neuen ‚Floristik‘ zugrunde liegen und die dem emotionalen Bedürfnis nach Blumen als einem individuellen, kreativen und sinnlichen Kommunikationsmittel entsprechen

„Blumenkraft“ befindet sich im Erdgeschoss eines reich dekorierten Wiener Jugendstilhauses im 4. Wiener Bezirk, einem Umfeld, das urbane Trends mit dezentem bürgerlichen Komfort verbindet und in dem Galerien, Cafés, Second-Hand-Boutiquen und ein Champagnerladen zum Müßiggang einladen.
Christine, mit dem Blumengeschäft vertraut, Gregor, ein Innenarchitekt sowie ein Team junger experimentierfreudiger und innovativer Mitarbeiter mit und ohne Floristik-Ausbildung wollten neue Wege gehen und dabei auch kommerziell Erfolg haben. In einem völlig verbauten Ladenlokal wurden kannelierte Gusseisenwände freigelegt, hohe Decken sowie 350 qm Ladenfläche kamen zum Vorschein – ein fast sakraler Raum. Der Name des neuen Geschäfts sollte die paradoxe Macht der Blumen verkünden. Blumen scheinen schwach und zerbrechlich, vermitteln aber visuelle, emotionale und spirituelle Stärke: „Blumenkraft“.
Ein neun Meter langer Arbeitstisch aus rostfreiem Stahl beherrscht den Verkaufsraum, der mit Stahlregalen und Podesten spärlich möbliert ist. Ein Schieferboden, Beton und Glas sorgen für Sauberkeit und gute Musikresonanz. Große Hängelampen verbreiten ein weiches sinnliches Licht. Die modernen Arrangements von „Blumenkraft“ zeichnen sich durch sensible surrealistische Verfremdungseffekte aus. Blumen werden kombiniert, die in der Natur nie zusammen vorkommen, da sie aus verschiedenen klimatischen, geographischen oder geologischen Zonen stammen wie Hyazinthen, Butterblumen, Flieder und Flamingoblumen. Ohne Blätter kommen die Blüten in ihrer reinen Form besser zur Geltung. Selbst erfundene „Blumarien“ ersetzen die herkömmlichen Blumenvasen.
Der Laden ist mittlerweile viel mehr als ein Aufsehen erregendes Blumengeschäft für anspruchsvolle Kunden mit Geschmack. Er wurde zu einem sozialen Treffpunkt des Bezirks, Musik wird gehört, Freundschaften werden geschlossen, Kinder dort abgeladen, Menschen in allen Lebenslagen, in denen Blumen angebracht sind, individuell und kreativ beraten.

Der Autor:
Leonard Koren hat diverse Bücher über Design und Ästhetik verfasst, darunter auch den Bestseller: „Wabi-Sabi für Künstler, Architekten und Designer. Japans Philosophie der Bescheidenheit“ (Ernst Wasmuth Verlag).

This book explores 78 stone Buddha images, presented in exquisite photographs with full explanation. These specific ones were selected because of their fine quality. While their number is not large, the photos show each image from various angles, giving readers the opportunity to enjoy each image in detail. The author’s notes include observations concerning the artistic style of the image as well as a discussion of the religious significance of each.