Ed.: Ludger Derenthal and Christine Kühn
Preface: Michael Eissenhauer and Hermann Parzinger
Essays: Ludger Derenthal, Janos Frecot, Simone Förster, Susanne Holschbach, Stefanie Klamm, Kathrin Kohle, Christine Kühn, Barbara Lauterbach, Andrea Lesjak, Kristina Lowis, An Paenhuysen, Miriam Paeslack, Annette Philp, Moritz Wullen
Text: German/English
416 pages with 340 illustrations in color
Size 24 x 29 cm. Hardcover

The Photography Collection of the Museum for Photography of the Art Library is showing hidden treasures from the collections of the State Museums in Berlin on the occasion of the re-opening of the Kaisersaal. Architectural photography has already been represented in many collections, with pictures like those of bamboo huts, but those of antique ruins can also be found from the Ethnological Museum, as well as photos of the pyramids from the Egyptian Museum, Indian mosques from the Museum for Asian Art and architectural photographs of the buildings of the classical Modern in the Art Library. These photographs, which were previously only known to specialists and scientists, have been unearthed in several layers and presented as an example of one of the most important genres of photography.
The exhibition will encompass about 400 items (photographs, portfolio works and books). In 18 chapters the catalogue shows the rich variety of the collections and analyses the complex medial treatment of the photographs, in order to thereby present an alternative, non-canonical history of architectural photography.

Der Architektur- und Industriefotograf Max Krajewsky (1892–1972) begleitete mit seiner Kamera über 50 Jahre die Entstehung zahlreicher Berliner Bauten. Die Aufnahmen besitzen chronistischen Charakter und entstanden im Auftrag von Bauunternehmen, Architekten, städtischen und staatlichen Behörden. Sie belegen prägende Phasen der Berliner Bau- und Stadtentwicklung und dokumentieren zentrale Erinnerungsorte der Technik-, Kultur-, Industrie- und Architekturgeschichte.
490 erhaltene Aufnahmen des wohl renommiertesten Baufotografen der 1920er bis 1960er Jahre werden im Historischen Archiv der Stiftung Deutsches Technikmuseum Berlin bewahrt. Die Erschließung seines Gesamtwerks gleicht einer herausfordernden Spurensuche, da weder Negative oder Glasplatten noch das Fotografenarchiv überliefert sind. Hinweise auf dessen Umfang und Systematik geben lediglich die Bildsignaturen auf den Originalabzügen sowie die publizierten Aufnahmen.
Zur ersten Sonderausstellung mit einer Auswahl von Max Krajewskys Fotografien im Deutschen Technikmuseum Berlin ist dieses Begleitbuch erschienen. Die historisch-wissenschaftliche Monografie widmet sich dem Leben und Werk des bedeutenden Fotochronisten der Berliner Baugeschichte. Sie setzt Maßstäbe für die weitere Krajewsky-Forschung.

144 pages with 100 mostly full-page photographs with varnish overprint
Size 32 x 30 cm. Hardcover in slipcase

In Vals, renowned civil engineer Jürg Conzett has built a bridge that is timeless in the very best sense, subtly combining the millennia-old technique of stone bridge-building with the modern techniques of stressed and reinforced concrete. To understand the bridge’s complex construction, it helps to trace the history of its building in photographs. And that is what this book allows the reader to do – following on from Wilfried Dechau’s previous photographic journals "Traversinersteg" (2006) and "Seebrücke" (2007).
The new Village Bridge designed by Jürg Conzett (Conzett Bronzini Gartmann Engineers, Chur) is a brilliant response to the celebrated Vals Thermal Baths built by Peter Zumthor in 1996. Which comes as no surprise, as Zumthor was involved in the bridge’s conceptual planning phase. This unusual stone bridge is due to be inaugurated on 6 June 2010.
From the displacement of the old bridge and the installation of temporary support structures through to the basic reinforced concrete skeleton and the finishing with Vals stone, Wilfried Dechau accompanied the building work with his camera. On the site, he was equally close to the craftsmen, the numerous onlookers and the engineers, and his pictures not only capture the gradual becoming of the bridge, but also sensitively document the concentration and tension on the faces of those who built it. This book is not only about the construction of bridge, but also about the adventure of building and the fascination of civil engineering.

For many years, Wilfried Dechau was editor-in-chief of a magazine for architects and engineers, during which time he always maintained a particular focus on photography. In 1995, he created the "architekturbild" international architecture photography prize. In 1996, he wrote a book on architectural photography, and in 2003 he founded architekturbild e.v., a society for the promotion of artistic quality in architectural photography. In 2001, his series of photographs on the construction of the Great Belt Bridge in Denmark (briefly the world’s longest suspension bridge) won the Kodak Photo Calendar Prize. Since 2005, Wilfried Dechau has devoted himself primarily to the task of documenting the construction process rather than just the finished building. In May 2010, he opened the f75 photography gallery in Stuttgart.

Eine Veröffentlichung des Bundesinstituts für Bau-, Stadt- und Raumforschung (BBSR) im Bundesamt für Bauwesen und Raumordnung (BBR), Bonn
208 Seiten mit 163 Fotos sowie Karten und Diagrammen
Querformat 30 x 23 cm. Hardcover

Deutschland ist ein sehr dicht besiedeltes Land. Statistiken belegen, dass die tägliche Flächeninanspruchnahme durch Siedlungen und Straßen trotz aller gegenteiligen Ziele und Maßnahmen anhält. Bilder Deutschlands, die dies zeigen, teilen sich auf in solche, die offensichtliche Scheußlichkeiten der Inanspruchnahme des Raumes, der Flächeninanspruchnahme zeigen, und in solche, die demgegenüber die vermeintlich unberührt verbliebene Natur oder Romantik des Landes in das beste Licht stellen. Ein dritter, ein realistischer Blick ist selten.
Dieses Buch versucht, vor dem Hintergrund der Tradition solcher Darstellungen Deutschlands bildhaft und analytisch die wirkliche gegenwärtige Flächennutzung darzustellen. Es will dokumentieren, nicht anklagen. Es verbindet ohne belehrende Attitüde die Dokumentarphotographie Jürgen Hohmuths mit Texten zur früheren und heutigen Literatur der Raumnutzung Deutschlands.
Der "Raum" Deutschlands stellt sich dar als ein "gebändigter", als Widerspiegelung der Gesellschaft, die ihn nutzt und prägt, die ihm eine tatsächliche, gewollte wie auch oft unbeabsichtigte "Ordnung" gibt, die nicht immer eine wirklich "geordnete" ist. Es sind dies Bilder und Texte im weitesten Sinne über die Gestaltung, die "Bändigung" eines Raumes durch die sie prägende Gesellschaft – über Zeit und Raum.

192 Seiten mit 150 farbigen Abbildungen
Format 20 x 28 cm. Paperback

Die Publikation "100 Meisterwerke" ist ein Katalog der besonderen Art. Er ist nicht nur ein Begleiter in der Ausstellung, sondern auch ein fundiertes Kunstgeschichtsbuch. Die Autoren – Dietrich Wildung, ehemaliger Direktor des Ägyptischen Museums, Olivia Zorn, stellvertretende Direktorin, und Fabian Reiter, Kurator der Papyrussammlung – sind verantwortlich für die Ausstellungspräsentation und laden in den Texten zu einem sehr persönlichen Rundgang durch die Neukonzeption der Sammlung ein.
100 Objekte des Ägyptischen Museums und der Papyrussammlung, die zu den herausragendsten Kunstwerken der altägyptischen Kultur weltweit zählen und teilweise seit 1939 den Besuchern nicht mehr zugänglich waren, werden in diesem Band im Kontext der Ausstellung vorgestellt. Der Leser lernt nicht nur die wichtigsten Exponate der seit Oktober 2009 im Neuen Museum präsentierten Berliner Sammlung kennen, zu denen neben der berühmten Büste der Nofretete vor allem die drei vollständig erhaltenen Opferkammern, die detailreichen Reliefs, die fein modellierten Skulpturen und die zur Weltliteratur zählenden Papyri gehören, sondern begibt sich gleichzeitig auf eine spannende Reise durch die (Kunst-)Geschichte Altägyptens.
Der Aufbau des Katalogs folgt dem Rundgang der Ausstellung und gliedert sich in einzelne Themenbereiche. Die mit der Sammlung bestens vertrauten Autoren eröffnen dem Leser neue Aspekte der weltbekannten Kunstwerke, lenken gleichzeitig den Blick auf ungewöhnliche Details und eröffnen durch fundierte Interpretationen geschichtlicher und thematischer Zusammenhänge eine neue Sichtweise auf das antike Ägypten.
Viele bislang unveröffentlichte Neuaufnahmen und Detailansichten der Exponate runden den reich bebilderten Band ab und geben dem Leser die Möglichkeit, über den Museumsbesuch hinaus tiefer in die Besonderheiten der ägyptischen Kunst einzudringen.

Greek vases are a vital source of information on mythology and society in ancient Greece. These painted clay vessels played a variety of roles in daily life and religious ritual, and the pictures and patterns on them provide a key to understanding these roles.

The Antikensammlung (Collection of Classical Antiquities) in Berlin stretches back more than 300 years, and vase paintings illustrating well-known myths and sagas have long been a key field of interest. Today the Berlin collection ranks alongside those of the British Museum, the Louvre, the Hermitage and the Metropolitan Museum as one of the largest and most diverse of its kind.

This lavishly illustrated new book is the first to focus exclusively on the Greek vase collections of the Berlin State Museums. The authors, all distinguished specialists on the collection, have selected 62 of its finest works and provided an expert commentary.

Cultures contribute to the richness of this world through their uniqueness and variety – as do their material products. This is reflected in the ethnographic collections from Africa, the Americas, Southeast Asia, Oceania and East Asia at the Museum of World Cultures in Frankfurt am Main. Using exceptional photographs, 130 works are presented from a total of approximately 67,000 objects in the museum’s collection. Based on their own individual and subjective points of view, the authors have selected particularly unusual “ethnographica,” everyday objects or ritual items from an abundance of mostly similar objects made by indigenous societies. The objects in this volume are not only elucidated in their ethnological contexts, but are simultaneously described and interpreted as works of art. They are purposefully represented here as products of indigenous aesthetics and indigenous creative work to guide the attention of Western viewers to the artistic qualities of ethnographica. In order to better understand these works of art, the authors question the environment in which a work was created and which ideas about color, form, symmetry, balance, etc., might have influenced their artists. The common goal is to present what it is about these works that are exceptional, elaborate, other, perfect or in fact imperfect, harmonious or disturbing.
However, the significance of an object is not invariably determined by its original heritage and purpose. Ideas and thoughts associated with an object also alter with a change of viewers and owners. Consequently, the effect of a work of art can only be comprehended within the analysis of aesthetic ideas and a prior knowledge by its respective viewers. Here, the various aesthetic concepts of indigenous and Western societies collide and ideally will lead to reactions that mediate between the differing perspectives.

"Being Object. Being Art. Masterpieces from the Collections of the Museum of World Cultures, Frankfurt am Main" illustrates a central concern of the authors with regard to the presentation of non-Western art – for them, the much discussed question "art or context" cannot be answered with an apodictic "either/or," but rather only with a "…as well as…."

Hrsg.: Frederica Steisslinger und Markus Baumgart
Texte: Eva-Marina Froitzheim, Hans-Jürgen Imiela, Martina Merklinger
Text: deutsch/portugiesisch (please scroll down for details)
144 Seiten mit 59 Abbildungen in Farbe und 47 in s/w
Format 26 x 24 cm. Hardcover

Fritz Steisslinger (2. August 1891, Göppingen – 16. März 1957, Böblingen) war langjähriges Mitglied der Stuttgarter Sezession und deren erster Vorsitzender nach der Neugründung 1946. Nach ausgedehnten Reisen sowie einem mehrjährigen Aufenthalt mit der ganzen Familie in Berlin (1929–31), wo er bereits 1924 erste Kontakte zu Galerien und Künstlerkreisen geknüpft hatte, führte ihn sein Lebensweg immer wieder in den südwestdeutschen Raum zurück.
Eine ganz besondere Beziehung verband Fritz Steisslinger mit Brasilien, nicht zuletzt durch seine zwar deutschstämmige, aber in Rio de Janeiro geborene Ehefrau Elisabeth Haasis. Eine erste Reise führte ihn 1934 in das Land, mit seinem Besuch in den Jahren 1948 bis 1950 verband sich sogar der Wunsch nach einer Übersiedelung. Beide Aufenthalte waren von großer Bedeutung für den Menschen, aber auch den Maler Fritz Steisslinger. Sie fügten seinem „Weltbild neue Farben“ hinzu, wie er selbst bemerkte. Gleichzeitig schwingt in seinem frühen Brasilien-Werk ein dokumentarischer Aspekt mit.
„Stuttgart, das Schwabenland, und Brasilien: mir scheint man hätte kein besseres Verbindungsglied finden können – jedenfalls kein strahlenderes, mitreißenderes – als das dieser Bilder von Fritz Steisslinger“, schrieb so auch der damalige Leiter der Graphischen Sammlung der Staatsgalerie Stuttgart, Heinrich Geissler, als die Brasilien-Bilder Fritz Steisslingers im September 1987 das erste Mal als eigenständiger Werkblock in Stuttgart ausgestellt wurden. „Sie sind in ihrer koloristischen Vielfalt und Lebendigkeit, der Beobachtungsschärfe und Sachtreue ein köstliches Lob, zugleich aber auch ein Stück Bestandsaufnahme des riesigen Landes. Es wäre sehr zu wünschen, dass sie einmal zu einem Bildband vereint der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden könnten.“
Zumindest für die Bilder von 1934 liegt dieser Band hiermit nun endlich vor. Ergänzt durch zahlreiche Dokumente bildet er über das künstlerische Werk Steisslingers hinaus das vergangene Brasilien der 1930er-Jahre ab.

Saudade do Brasil
O pintor Fritz Steisslinger em viagem pelo Brasil, 1934
Editores: Frederica Steisslinger e Markus Baumgart
Textos: Eva-Marina Froitzheim, Hans-Jürgen Imiela, Martina Merklinger
Texto: alemão / português
Aprox. 160 páginas com 59 ilustrações em cores e 47 em p&b
Formato 26 x 24 cm. Capa dura

Fritz Steisslinger (2 de agosto de 1891, Göppingen – 16 de março de 1957, Böblingen) foi membro, durante muitos anos, da chamada Stuttgarter Sezession, uma organização de artistas plásticos que se rebelou contra a postura conservadora do órgão de representação dos artistas plásticos em Stuttgart, tendo sido o primeiro presidente desse grupo dissidente, após sua fundação em 1946. Depois de longas viagens e de uma estadia de alguns anos com toda a família em Berlim (1929–1931), onde ele já havia feito contatos iniciais com galerias e círculos de artistas em 1924, a vida sempre o levou de volta ao sudoeste da Alemanha.
Uma relação muito especial ligava Fritz Steisslinger ao Brasil, até mesmo pelo fato de sua esposa, Elisabeth Haasis, ter nascido no Rio de Janeiro, apesar da descendência alemã. Depois de uma primeira viagem ao país, em 1934, ele chegou mesmo a pensar em emigrar durante sua estadia nos anos de 1948 a 1950. As duas viagens foram de grande importância, não só para o homem, mas também para o pintor Fritz Steisslinger. Elas acrescentaram à sua “visão do mundo, novas cores", como ele mesmo constatou. Ao mesmo tempo, seus primeiros quadros produzidos no Brasil contêm também um aspecto documental.
“Stuttgart, a região da Suábia e o Brasil: quer me parecer que não poderia haver entre esses lugares melhor elo de ligação – e certamente nenhum mais brilhante e arrebatador – que estes quadros de Fritz Steisslinger“, escreveu Heinrich Geissler, diretor do Acervo Gráfico da Staatsgalerie Stuttgart na época em que as pinturas de Steisslinger feitas no Brasil foram expostas pela primeira vez como um bloco individual de sua obra, em Stuttgart, em setembro de 1987. "Na diversidade e vitalidade de suas cores, na precisão de detalhes e fidelidade, eles são um elogio admirável e, ao mesmo tempo, um verdadeiro inventário deste país gigantesco. Seria de grande valor ver estes quadros, um dia, reunidos em um livro e colocados à disposição do público."
Este livro apresenta, finalmente, ao menos os quadros de 1934. Complementado com inúmeros documentos, ele introduz não só a produção artística de Steisslinger, mas também o Brasil que existia na década de 30 do século passado.

Vor 70 Jahren, im September 1940, nahm sich Walter Benjamin im spanischen Portbou nahe der französischen Grenze auf der Flucht vor dem Naziregime das Leben. Seinem Denken und dem Andenken an sein Schicksal widmete der 1930 geborene, in Tel Aviv und Paris lebende Künstler Dani Karavan eine Denkmalanlage, die 1994 eröffnet wurde. Sie besteht aus mehreren Stationen und bezieht auch das Schicksal von vielen anderen ein, die dort ihr Leben verlieren mußten oder retten konnten.
"Der Fortschritt des Erinnerns" macht auf fünf verschiedenen Wegen und mit vielen Fotos der Autorin Dani Karavans Denkmalanlage als eine Stätte der Einkehr, der Selbstbesinnung und der Auseinandersetzung nachvollziehbar: mit dem Ort, mit der Geschichte, mit der Gegenwart. Der Künstler hat für dieses Buch einige, bisher unveröffentlichte Zeichnungen und Aquarelle zur Verfügung gestellt. Indem Karavans einzelne Stationen sozusagen das Hier markieren und den Blick auf ein Dort öffnen, wird zugleich auf die Zukunft hingewiesen, und das betrifft die Frage, wohin dieses Erinnern uns führen kann, und welche Rolle wir als Zuschauerinnen oder Zuschauer spielen.
"Der Fortschritt des Erinnerns" rekonstruiert einerseits das architektonische und städtebauliche Potential einer solchen Gedenkstätte für einen Ort abseits touristischer Zentren und reflektiert andererseits das In-Vergessenheit-Geraten der Debatte zum Thema Erinnern und Verdrängen. Eine wesentliche Frage in diesem Zusammenhang ist die Vereinnahmung des Gedenkens durch politische Interessen sowie die Vereinbarkeit von Kulturtourismus und Massentourismus. Der Begriff 'Fortschritt' – im Sinne von Walter Benjamin in Verbindung mit dem Begriff 'Verfallszeit' – begleitet dazu die entsprechenden philosophischen Gedankengänge.
In einem Prolog wird an Pablo Picassos 'Guernica' und Constantin Brâncuşis Denkmalanlage in Târgu Jiu – beides 1937 entstanden – der Stellenwert des Kunstwerks im Zusammenhang mit dem Erinnern hinterfragt. In einem Epilog wird ergänzend dazu an künstlerischen Beiträgen von Hans Kupelwieser und Jochen Gerz und mit theoretischen Hinweisen auf Literatur, Philosophie und Film das Vergessen in diesem Prozeß thematisiert. "Der Fortschritt des Erinnerns" verfolgt eine Entwicklung: wie das Kunstwerk zum Begriff wird, der Begriff zum Denkmal, das Denkmal zur Werbung. Der Verbrauch und die Vereinnahmung durch Politik und Konsum in Form von Tourismus betreffen offene Fragen der Zukunft von Portbou. Das, woran erinnert werden soll, droht auf diese Weise vergessen zu werden. Aber gerade hier setzt die Kunst in ihrer Wandlungsfähigkeit an und verrät etwas über die Unermeßlichkeit ihrer Geheimnisse, Dani Karavans Denkmalanlage in Portbou ist dazu das auf mehreren Wegen erfahrbare Beispiel.

Sigrid Hauser, geboren in Meran. Universitätsprofessorin für Architekturtheorie an der Technischen Universität Wien. Bücher und Texte zur Architektur von Lois Welzenbacher, Curzio Malaparte, Tadao Ando, PAUHOF, Peter Zumthor u.a. Zahlreiche Publikationen zu Themen der Konzeptions- und Rezeptionsästhetik, Schwerpunkte: Fotografie, Film, Kunst, Literatur und Politik im Zusammenhang mit Architektur. Zuletzt ist erschienen: "Kafkas Raum im Zeitalter seiner Digitalen Überwachbarkeit"', Löcker, Wien 2009.

Kunst und Wirtschaft – damit sind zwei Sphären bezeichnet, die sich in den vergangenen Jahrzehnten vermehrt einander angenähert haben. Vom Einzelfall der Sparda-Bank Baden-Württemberg ausgehend wird das Thema "Kunst im Unternehmen" als Grenzbereich zwischen Kunstgeschichte, Betriebswirtschaft und Marketing interdisziplinär beleuchtet.
Die Sparda-Bank bietet mit ihrem recht jungen unternehmensfremden Engagement, vor allem aber mit ihrem Fokus auf Otto Herbert Hajek (1927–2005), die Möglichkeit, die Wirkung von "Kunst im Unternehmen" näher zu beleuchten. Das kommunikative Element rückt besonders in den Vordergrund, denn mit Hajek legte sich die Bank auf einen Künstler fest, für den Kommunikation mit Kunst ein wesentlicher Aspekt seines Schaffens gewesen ist. Ausgehend von der letzten großen Platzgestaltung "Zeichen ortieren Orte", die Hajek für die Sparda-Bank realisierte, erhält der Künstler und sein Schaffen im Außenraum eine Würdigung und Einordnung in die Kunstgeschichte, die nicht nur die Stringenz seines Denkens und deren Umsetzung in Kunstwerke einbezieht, sondern vor allem seine Leistungen bezüglich der Belebbarkeit von Orten in Städten in den Vordergrund rückt.
Von der "Kunstumzingelung" wird der Bogen zu den verschiedenen Wirkmechanismen, den darin liegenden Chancen und Möglichkeiten von "Kunst im Unternehmen", aber auch ihren Grenzen gespannt. Die Hinzunahme von ausgewählten Unternehmen, die erfolgreich Kunst zur Kommunikation nach innen und nach außen verwenden, dient der Verortung des Engagements der Sparda-Bank und dokumentiert zugleich die Vielfältigkeit und die sich dadurch bietenden Chancen.